插画具有辅助文字叙事的功能，在书籍、杂志等平面中已然并不罕见，然而由于过去WEB技术发展的原因，网页设计中运用插画的情况却不多见，随着技术提升，插画越来越被网页设计师重视。今天为大家带来网页设计中常见的4种个性插画风格，给艺术留学的小伙伴们借鉴参考。

网页的插画其实无须一定要细节毕现，往往它传递的是一种价值、理念主张，而非具备叙事的规模。

 



扁平的画风非常适合网页端的展示，插画的对象也许可以是抽象的，模糊的，有的旨在塑造品牌氛围。

网页中插画的风格选择是依赖于品牌内容形象的，这里我们只总结较为普遍的现象。简单来看，如果我们把插画的风格放在一个滑块里，这个滑块的左边一端是写实，右边一端是抽象的话，那我们的插画风格是在这两端中游移。因此，才有了各具特点的风格化插画。

学院派

笔触、纸纹，这些传统的学院派绘画所带来某种底蕴深厚的氛围，能结合网页自身的特点，传递出品牌的价值。尤其表现了一种“人为”的过程，不仅从视觉上还从触觉上激发观者的想象。这一类风格往往比较写实，细节也相对丰富。

素描的特点有某种分析式的古典意味，在下面这个珠宝设计的网页里表现一种匠心。

具有水彩画纹理的插画，在下图这个度假中心的酒店展示页面里是一笔非常温馨、更贴近人的存在，酒店不再高高在上的奢华感，而充满了人文精神。

而如下这个联系表格的左侧采用一张速写作为配图，是想表达一种亲近感，设计师并不希望网页呈现这个时代冷冰冰的距离感，而是通过笔触就制造亲和感。

扁平化

扁平化可以说是网页设计中用到的最大的画种，它的扁平特质即失去阴影和高光，从“形”的方面去表达网页的内容。因此，扁平化插画绘制起来相对写实的学院派的插画更为简单。它们的表达重点是在于颜色，运用鲜艳的颜色能让扁平化插画丰富起来。

将动物的形象绘制出来就能表现一种活泼可爱的感觉。下面这个网页展示内容原本和技术有关，加入了这些可爱的插画，就能增加一种轻松的情趣。



另外，扁平化也可以是抽象的表达。



你也可以将一整张网页当作创作对象，整个页面的元素都像是浮动在整个画面的上方。



由于扁平化失去了细节，如果想要带来更多“触感”，可以后期增加一些细微的纹理。

风格线条

线条是表现插画内容又一种极具风格特征的形式，线条的风格也决定了整个画面的风格。这个类别和扁平化非常接近，因为它们都并不在刻画细节，而是类似一种速写。

具有几何特征的线条可以作为插画配图，还可以作为背景，即使是小小的几何线条围绕成形，都能作为背景使用，而这类风格目前正大行其道。



下面这类具有简笔画特征的插画，充满了整个网页，人物极具诙谐感

插画和网页其他组件的整体风格都同时采用线条，风格一致

画影合成

所谓画影合成就是既有绘制的成分也有摄影的部分，它融合了摄影的“真实”和手绘的“想象”，完成来源生活又超越生活之上的跨越。然而这毕竟是比较少见到的表达形式，除了本身不好驾驭以外，画面也会因此而变得更复杂。

如果想要用画影合成作为焦点图形，可以选择一些简单的几何形。利用人像与几何造型、文字的合成，略增加空间感的办法是相互形成一定的遮挡

无论哪一种类型的绘画，在运用到网页前都必须思考与内容的关联性，适合才是最重要的，而非一味寻求好看的原则。

就像摄影作品需要设备和模特布景，传统的插画源自手绘或者数码绘画，这些我们已熟悉的知识无需赘述，还有很多创意的变体需要设计师的进一步探索。看着网上风格各异的插图，往往想学习却又无从下手，该怎么办？不用担心，下面为大家带来两大绝招，助你快速掌握风格各异的插画，为作品集制作添彩。

一

仿型

仿型，可说是一个模仿、练习的过程。选择喜欢的插画作为学习对象，拆解画面构成元素，总结代表性特征，了解其思考方式，是一种理解原作者绘画思路和想法的过程。

我们从形式上来说可以将一张插画拆解为5个构成元素：构图、造型、素描关系、配色和肌理。

0１

构图

构图是一张插画的骨架，各个元素按照设计的位置、大小排列在画面中，就能形成一张画最基础的模样。概括来说，最基本的构图有如下这么几种：

环型

环形构图是非常常见的一种形式感很强的构图，往往画幅中心存在一个视觉焦点，围绕视觉焦点发散/聚拢元素。

对称

对称构图的画面中存在一个轴线，画面元素围绕轴线两边对称。这种对称既可以是追求强形式感的绝对对称，也可以是形成一种视觉平衡的动态对称。

平铺

平铺构图的画面往往不存在一个明确的视觉中心，所有的元素均匀的充满着画面，强调整体的统一性。

S型

S型构图是非常常见的一种构图方式，形式灵活多变。S型构图重点不在于元素的布局是「S」或是「Z」，而是利用错位布局，营造空间，增强画面的节奏感。往往S型构图有着明显的层次关系，元素在空间上可以分为前、中、后景。

0２

造型

同样的元素，在不同的设计师手上画出的感觉一定是不同的，一个插画师最明显的风格特征也往往体现在造型的独特性上。造型的类别是无法枚举的，写实或抽象、松弛或硬朗、精细或概括……对造型感的提升需要我们多看优秀的作品辅以大量的练习。

0３

素描关系

素描关系这个词想必大家不陌生，严格来说它也是造型的要素之一，单独提出来是方便大家更好的理解。素描关系由高光、灰部、明暗交界线、暗部、反光、投影组成。一个元素加哪几种素描关系，怎么加，加在哪，什么肌理，都能左右一张插画的视觉风格。一般来说，对素描关系处理的越多，画面会有更多的细节，更趋近于写实。

0４

配色

人类的视觉感知系统，对于颜色是第一位的，其次是形状。插图的颜色往往能决定观者的第一印象。对于配色，我们需要注意两点：

颜色的配比

决定画面整体色调的颜色，一般占画面60%以上，余下有30%的辅助色，10%的点缀色。这并不意味着画面中只能出现三个颜色，但是三个纬度的颜色需要尽量在色相上保持接近。

颜色的对比

一张插画中，一定蕴含着色彩的对比。我们知道颜色三要素是：色相、明度、纯度。相应的对比也分为色相的对比，明度的对比，纯度的对比，当然更多时候是混用的。对比的作用有很多，较强的对比可以使得你的画面更富层次感和视觉冲击力，较弱的对比则营造一种柔和自然的感受。

0５

肌理

肌理本是指物体表面的组织纹理结构，即各种纵横交错、高低不平、粗糙平滑的纹理变化，是表达人对设计物表面纹理特征的感受，是一种三维的概念。在这里，肌理所指的含义与质感相近，是一种二维概念。我们可以通过刻意制造的笔触感、噪点、纹理等，使得画面蕴含丰富的细节，更加耐看。

二

破型

破型，就是在充分理解学习对象构成的基础上，结合自己的风格痕迹和需要表现的内容，形成新的插画画面。好的插画是形式与内容的完美结合，优秀的表现形式是为了传递信息，你应该明确插画需要传递何种信息，并且让所有的元素为之服务。如何更好的结合内容呢？

0１

理解各个元素的视觉表意

环形构图更聚焦，对称构图更具形式感；曲线的运用会让画面更柔和，贴近自然，直线与几何则更具现代感和科技感。先要理解各个元素所隐含的视觉语言，再通过你想传达的内容去挑选合适的呈现方式。

0２

构建一个故事

想象一个故事，谁（who），在哪（where），什么时间（when），做什么事（what），怎样在做（how）？然后我们再问自己一个问题：这个故事要传达什么情绪（有趣、温馨…）。不断思考这样的问题，完成从故事到画面的转变，画面里物境-情境-意境的搭建。

0３

视觉转译

故事是文字，我们需要将文字视觉转译为图形。一点点的细化你的故事，将每一个词转化为可见的图形和颜色，并且快速的反馈到你的草图中去。当然，这个过程对于每个人来说都会得到不同的结果，自信一点，这才是你创作中最与众不同的部分。

三

几个建议

0１

关上电脑

在自主创作的阶段中，我们一定会遇到想法不够，不知该如何进行下去的时候，此时应该避免回过头去看学习的对象，这样会让自己的创作变的局限，从而越来越像原作。

0２

足够细致的草稿

很多人对待草稿是不够用心的，粗糙的草图意味着你并没有真正做好独立创作的准备。请尽量保证从投影的造型到人物脸部的配色，每一个元素的细节都能在草稿画完之后心中有数，这样才能使你避免你对着 AI/PS中的半成品不知所措。

0３

向经典学习

dribbble 上固然能提供许多新鲜的想法和创意，但是不妨去了解一下新艺术运动的插图，席勒的速写，达达主义和立体主义的海报等等，你会发现艺术史上如此多大师和流派，都是取之不尽用之不竭的灵感源泉。

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